Présentation du Junges Ensemble Berlin
Depuis plus de cinquante ans, près de 100 musiciens – étudiants, jeunes professionnels et passionnés de haut niveau – se retrouvent chaque semaine pour répéter et préparer des programmes symphoniques exigeants. Animés par un profond enthousiasme pour la musique et un haut niveau d’exigence artistique, les membres de l’orchestre choisissent eux-mêmes les œuvres qu’ils souhaitent interpréter. Deux fois par an, ils se produisent à la Philharmonie de Berlin devant un public fidèle et enthousiaste.
Les programmes du Junges Ensemble Berlin (JEB) ne se limitent pas au grand répertoire symphonique. Grâce à des collaborations avec des artistes de renom tels que Bilal Alnemr, Andreas Buschatz, Elisabeth Glass, Maria Bengtsson ou encore Annette Dasch, l’orchestre enrichit continuellement son expérience artistique et explore de nouveaux horizons musicaux. Les œuvres pour chœur et orchestre, ainsi que les productions d’opéra et d’opérette, occupent également une place importante dans sa programmation.
Au-delà de sa vocation artistique, le JEB constitue une véritable plateforme d’engagement éducatif et social. Grâce à plusieurs concerts caritatifs, l’orchestre a notamment contribué à la reconstruction de l’orgue de l’ancien camp de concentration de Theresienstadt (Terezín) ainsi qu’à la construction d’un hôpital dans le sud de Madagascar.
À travers des partenariats avec des établissements scolaires, notamment autour du War Requiem de Benjamin Britten, le JEB sensibilise les jeunes générations à la musique classique tout en leur faisant découvrir les contextes historiques et culturels des œuvres interprétées. Cet engagement a bénéficié à plusieurs reprises du haut patronage de Norbert Lammert, ancien président du Bundestag allemand, et de Frank-Walter Steinmeier, président fédéral de la République fédérale d’Allemagne.
Les tournées du Junges Ensemble Berlin l’ont conduit dans de nombreux pays, parmi lesquels la Suède, la République tchèque, l’Italie, la France, le Danemark, la Suisse, les États-Unis, la Jordanie, la Russie et le Brésil.
Biographie de Michael Riedel
Michael Riedel a étudié à l’Université des Arts de Berlin (Hochschule der Künste Berlin) et a reçu sa formation de direction d’orchestre auprès de Marc Piollet et Christian Grube, ainsi que lors de masterclasses dirigées par Karl-Heinz Bloemeke, Peter Gülke, Rolf Reuter, Jörg-Peter Weigle et Georg Christoph Sandmann.
Depuis 1997, il dirige l’orchestre symphonique du Junges Ensemble Berlin (JEB). Dans ce cadre, il a collaboré avec de nombreux solistes de renom, parmi lesquels Maria Bengtsson (War Requiem de Britten), Andreas Buschatz (concertos pour violon de Brahms et Tchaïkovski), Annette Dasch (Messa da Requiem de Verdi), Elisabeth Glass (Concerto pour violon de Beethoven) et Gerhild Romberger (Symphonie n° 2 « Résurrection » de Mahler) et Bilal Alnemr (Chostakovitch Concerto pour violon No 1)
Au Saalbau Neukölln de Berlin, il a dirigé, en collaboration avec la metteuse en scène Cordula Däuper, de nombreuses productions de théâtre musical. Ensemble, ils ont fondé operjetzt !, un collectif de jeunes artistes lyriques, qui a notamment présenté la première berlinoise de Les Mamelles de Tirésias de Francis Poulenc.
Parallèlement à son activité de chef d’orchestre, Michael Riedel est enseignant de musique au lycée. Avec l’orchestre symphonique de l’établissement, il a initié de nombreux partenariats et échanges avec des projets musicaux à vocation sociale au Pérou et en Bolivie. Un séjour d’étude et d’enseignement l’a également conduit en Équateur, en Argentine et au Chili.
Michael Riedel dirige par ailleurs le programme de formation des jeunes chefs d’ensemble du Conseil de la musique de Berlin (Landesmusikrat Berlin) pour le secteur des orchestres symphoniques. Il enseigne également la direction d’orchestre à l’Université des Arts de Berlin en tant que chargé de cours.
Très engagé dans la vie culturelle, il a siégé pendant de nombreuses années au comité directeur du Conseil de la musique de Berlin. Son engagement se concentre tout particulièrement sur le développement de l’éducation musicale à l’école et dans les conservatoires.
Biographie de Bilal Alnemr
Violoniste franco-syrien, Bilal Alnemr est reconnu pour l’expressivité de son jeu et son engagement en faveur du dialogue interculturel.
Pour la saison 2025/26, Bilal Alnemr a fait l’ouverture de la saison musicale du Méjan à Arles. Il se produira entre autres en musique de chambre à l’Opéra de Bordeaux aux côtés d’Elena Bashkirova, aux Flâneries musicales de Reims et en tant que soliste dans le Concerto pour violon n°1 de Chostakovitch à la Philharmonie de Berlin.
La carrière professionnelle de Bilal a débuté à l’âge de seize ans et inclut des collaborations avec des artistes de renom tels que Renaud Capuçon, Hélène Grimaud, Barbara Hendricks et Daniel Barenboïm. Musicien polyvalent, Bilal s’est produit avec le Boulez Ensemble à Berlin et l’Ensemble Intercontemporain à Paris. Il a fait ses débuts avec l’ORF Radio-Symphonieorchester Wien sous la direction de Thomas Zehetmair, soutenu par la Fondation Orpheum, cette collaboration a donné lieu à l’enregistrement d’un CD dans la série Next Generation Mozart Soloists.
Depuis 2018, il est membre du West-Eastern Divan Orchestra sous la direction de Daniel Barenboïm.
Au-delà de la scène, le violoniste franco-syrien Bilal Alnemr est profondément engagé dans le dialogue culturel par la musique. En 2022, il a fondé le Festival de Vauvenargues, un événement estival international réunissant des musiciens du Moyen-Orient et d’Europe, qui célébrera sa quatrième édition en 2026. Il a également lancé Les Cordes de Shams – music for intercultural dialogue, une association à but non lucratif dédiée à favoriser les échanges artistiques entre la Syrie, la France et au-delà.
Né à Damas, Bilal Alnemr découvre sa passion pour le violon grâce à un petit instrument offert par son père. Autodidacte à partir d’un simple DVD, son talent s’épanouit rapidement. À l’âge de 11 ans, il remporte le Concours national syrien de violon puis le concours Solhi Al-Wadi. Sa notoriété croissante lui permet de se produire en Inde, en Russie, au Qatar, en Jordanie et au Liban jusqu’à son arrivée en France.
Après avoir participé au programme d’Echanges Culturels Méditerranéens ECUME, Bilal rejoint à l’âge de douze ans, le conservatoire d’Aix-en-Provence auprès de son professeur Sophie Baduel. Il est diplômé du conservatoire de Paris (CNSMDP) en 2017, où il a étudié auprès de Roland Daugareil et Olivier Charlier. Pour parfaire son art, il intègre ensuite la Barenboïm-Saïd Academy à Berlin, se formant auprès de Daniel Barenboïm, Michaela Martin et Michael Barenboïm.
Biographie de Sophie Brochet
Originaire de Franche-Comté, Sophie Brochet découvre le théâtre dans sa région natale avant de se former auprès de Daniel Hanivel.
Au cours de son parcours, elle travaille avec plusieurs metteurs en scène, dont Jean-Pierre Weil, Jean-Jacques Lorazo et François Rancillac, et poursuit sa formation auprès de Catherine Hiegel, Agathe Rouillier et Philippe Girard.
Comédienne et lectrice, elle développe depuis plus de vingt ans un important travail autour de la lecture publique. Membre des Diseurs d’archives de 2004 à 2018, puis des Lecteurs de Giono depuis 2006, elle participe régulièrement à des festivals littéraires et musicaux, où elle crée des lectures en collaboration avec des musiciens tels que Jean-Guihen Queyras ou le Trio Dumky.
En 2007, elle rencontre le pianiste Olivier Lechardeur, avec qui elle crée plusieurs spectacles mêlant littérature et musique, parmi lesquels L’Effroyable Histoire du Petit Poucet et Le Masque de la Mort rouge.
Parallèlement à son activité artistique, Sophie Brochet enseigne les Lettres Modernes et le théâtre au sein de l’Education Nationale.
Biographie d’Olivier Lechardeur
Olivier Lechardeur a grandi dans le sud de la France. Il en garde le goût de la lumière, des couleurs vives, des contrastes, qui nourrissent son expression musicale.
Sa curiosité et son enthousiasme l’amènent à parcourir les scènes de nombreux pays européens et asiatiques. Il y partage ses émotions musicales avec des artistes de tous horizons. Au gré des rencontres, il élargit son répertoire, s’ouvre à la création contemporaine, à la musique sud-américaine, et noue des liens forts avec les autres mondes artistiques, partageant des projets avec danseurs, comédiens, illustrateurs.
Olivier Lechardeur enseigne actuellement au Conservatoire à rayonnement régional d’Aix-en-Provence.
Présentation du quintet Ars’Tango
Le quintet Ars’Tango est né de la rencontre du violoniste Alexandre Amedro et du bandonéoniste Fernando Maguna en 2023. Tous les deux passionnés par le tango argentin, ils ont été rejoints par le pianiste Olivier Lechardeur, le contrebassiste Willy Quiko et le guitariste Diego Trosman, qui joue en duo depuis 1998 avec Fernando Maguna. Ce quintet réunissant ces musiciens venus d’univers variés, - tango, classique, jazz - s’inscrit dans la lignée du Tango Nuevo d’Astor Piazzolla, fusion du tango et du jazz, dont les rythmes syncopés reflètent toute la richesse du tango argentin.
Biographie de Monique Zanetti
Après des études musicales au CNR de Metz et à l’université, où elle obtient une licence de musicologie, Monique Zanetti s’oriente vers le chant. Elle commence sa carrière avec Philippe Herreweghe (La Chapelle Royale) et William Christie (Les Arts Florissants). Elle effectue de nombreuses tournées de concerts en France et à l’étranger dans de grands festivals (Innsbruck, Saintes, Herne, Ambronay, Utrecht, Aix en Provence, Fukuoka…). et participe à de prestigieuses productions d’opéras baroques (Atys, Roland de Lully, Médée de Charpentier, Didon et Enée de Purcell, Orfeo de Monteverdi…) sous la baguette de William Christie, Christophe Rousset, Martin Gester, J.C Malgoire, Gustav Leonhardt, Frieder Bernius, Jérôme Corréas…. Son répertoire s’ouvre également à la musique plus tardive : Les Noces de Figaro de Mozart, Le Médium de Menotti, Werther de Massenet, Pelléas et Mélisande de Debussy, Béatrice et Bénédict de Berlioz... Elle a à son actif une discographie d’une cinquantaine de disques. Derniers CD parus : Airs de cour inédits de Bacilly chez Saphir avec "A Deux Violes Esgales", (Orphée d’Or), les Leçons des Ténèbres de François Couperin, chez le label Hérisson, (4 ffff Télérama), les Ayres d’Alfonso Ferrabosco II chez Arion, « les figures de l’Amour » d’André Campra, chez Parnassie Editions. Dernier enregistrement paru : les Leçons des Ténèbres de Michel Lambert (5 étoiles Classica). A paraître : « L’esprit de la Chapelle Royale » chez Ligia.
Biographie de Didier Vallot
Musicien éclectique, Didier Vallot est un clarinettiste toujours en recherche de nouvelles expériences musicales : du répertoire classique aux musiques actuelles en passant par les musiques traditionnelles. Il joue actuellement dans le groupe « des ailes sous la langue » et a été membre de différents ensembles et orchestres (Candela Negra, orchestre OSE, Nouvel orchestre confluence, Caddy…). Il a enregistré différents albums avec les groupes Caddy, Candela Negra, a participé aux enregistrements de l’album Hors du monde pour la chanteuse Mona et du single Les demoiselles pour Gabriel Keller.
Sa formation musicale et pédagogique l’a mené au conservatoire de Besançon, au CEFEDEM Rhône-Alpes, ainsi qu’à la Haute Ecole de Musique de Genève. Professeur d’enseignement artistique, co-auteur du recueil pédagogique « Minibulles », il enseigne actuellement la clarinette à l’Ecole de Nationale de Musique de Villeurbanne (69).
Biographie de Sara Cailloux-Lamorinière
Sara Cailloux-Lamorinière commence la contrebasse à 5 ans au conservatoire de Bourges. A 14 ans elle intègre le CRR de Paris où elle obtient un DEM de contrebasse classique tout en s’ouvrant au jazz et au tango. Elle poursuit ensuite ses études en Suisse : d’abord à Sion pour obtenir un Bachelor de contrebasse et au sein de l’orchestre de Biel-Solothurn qui l’a sélectionnée pour un Sommerpraktikum. Puis à la Haute Ecole de Musique de Lausanne, auprès de Marc-Antoine Bonanomi, elle valide successivement un Master en pédagogie instrumentale et un Master en interprétation-concert. Parallèlement elle suit la formation spécialisée au métier de musicien d’orchestre au CRR de Lyon
Sara s’engage dans des projets musicaux et pédagogiques diversifiés, de l’organisation de concerts en grand ensemble de contrebasses jusqu’au Bhutan avec l’Opéra de Lausanne pour participer à l’inauguration du musée royal du textile, en passant par une tournée des zéniths de l’artiste de musique électro Worakls. Elle est membre de l’Ensemble Mediterràn.
Sara a enseigné la contrebasse au CRR de Chambéry, au CRD de Gap, au CRD des Alpes-de-Haute-Provence, au CRD de Valence Romans. Actuellement professeur au CRR d’Aix-en-Provence, elle enseigne l’archet français et l’archet allemand.
Biographie de Soizic Patris Debreuil
Originaire de Nantes, Soizic Patris Debreuil débute la flute à 11 ans avec Pierre Bardon au conservatoire d’aix en Provence où elle obtient un premier prix à l’unanimité à l’âge de 16 ans puis intègre le CRR de Marseille dans la classe de Jean Louis Beaumadier où elle obtiendra également un premier prix de flute et de musique de chambre.
Par la suite, elle se perfectionne auprès de Geneviève Amar (super soliste à l’orchestre de Radio France) au conservatoire du 9eme arrondissement de Paris :
Parallèlement elle reçoit des conseils a travers des master classes et des stages de Michel Moragues. Sophie Cherrier et Catherine Quentin. Passionnée très tôt par l’enseignement, Soizic Patris Debreuil obtient son Diplôme d’état et son Pea. Elle enseigne depuis 1993 au CRR d’Aix en Provence et participe à de nombreux jury dans la région.
Flute solo pendant 10 ans avec l’orchestre symphonique du pays d’Aix j(jusqu’en 2012) et de l’ensemble Giocoso, elle se produit régulièrement au théâtre de l’Odéon.
Ses concerts de musique de chambre prennent des formes variées : orchestre de chambre ensemble Provence Verdon (tournée en Chine), trio flute alto et harpe, quatuor Milhaud (suites de Claude Bolling), Quatuor Arsis (intégrale des quatuors de Mozart) et participe activement à la saison artistique de la ville d’Aix et de sa région.
Biographie de Yuko Uébayashi - compositrice
" La plus grande surprise du travail de Yuko Uébayashi était son millésime. " (New York Times)
"Pour moi les oeuvres de Yuko Uébayashi sont des joyaux qui, bien que si différents, appartiennent pourtant au même monde, un monde de vivacité, de rêve, de tendresse , plein d’humour, subtilement contredit par la véhémence, la virtuosité, la mélancolie et la douleur.... Pour moi ces Oeuvres sont un cadeau précieux." Jean Ferrandis (Flutiste)
Elle est née à Kyoto. Elle vivait à Paris depuis 1998 puis a déménagé à Luberon dans le sud de la France en 2018.
Lors de sa première année à Paris, le concert qui s’est tenu à la salle Gaveau en rassemblant des œuvres de Yuko Uébayashi et de Jean-Michel Damase a été présenté au papier Figaro comme une "soirée enchanteresse" par le compositeur Pierre Petit.
Par la suite, les oeuvres d’Uébayashi sont souvent jouées, elles ont rencontré un succès indéniable en Europe, notamment à Paris (Théâtre des Champs-Elysée, Salle Caveau), Vienne (Konzerthaus), Venise (La Fenice), Londres (Wigmore Hall), Sofia (Bulgaria Concert Hall), aux Etats-Unis, dont New York ( Lincoln Center, Carnegie Hall ), Pittsburgh ( Heinz Hall ), en Asie, y compris Tokyo ( Kioi Hall ), Osaka
( Izumi Hall ) Séoul, Pékin, Taipei et d’autres villes du monde.
De nombreuses œuvres d’Uébayashi sont nées après s’être inspirées des liens qu’elle a entretenus avec divers interprètes. Ses œuvres ont été créées par un certain nombre de musiciens éminents. Flûtiste, Jean Ferrandis ( Professeur à l’École Normale de la musique de Paris et au CSU Fullerton ), Carol Wincenc ( Professeur à la Juilliard School ), Michel Moragues ( Orchestre National de France Flûtiste Principal, Professeur à CNSM de Paris), Marina Piccinini (Professeur à Johns Hopkins University), Nobutaka Shimizu (ancien flûtiste solo de l’Orchestre symphonique de Kyoto), Seiya Ueno (vainqueur du concours Rampal), Hautboïste, Maurice Bourgue (ancien hautbois solo de l’Orchestre de Paris), Wakao Keisuke (hautbois solo assistant du Boston Symphony), Violoncelliste, Dominique de Williencourt, Yan Levionnois, Pianiste, Emile Naoumoff (Professeur à Indiana University ), Jean-Michel Damase, Guillaume Bellom, Escher Strings Quartet, Donatas Katkus Diriger Vilnius Saint-Christophe Chamber Orchestra.
Bien que de nombreux musiciens aient repris le travail de Yuko Uébayashi pour l’enregistrement. En tant que majeur dans l’enregistrement, qui est principalement constitué par le travail de Uebayashi sont les suivants ; « Œuvres de Jean-Michel Damase et Yuko Uebayashi » (N.Shimizu, J.M. Damase), « Œuvres pour flûte, Yuko Uebayashi » (J. Ferrandis, E. Naoumoff et autres), « Misericordia » (C. Wincenc, Escher Strings Quartet et autres) ,« Le Moment du Cristal » (S.Ueno), « World of Oboe » (M.Bourgue, K.Wakao, E.Hirose), « Les SENTIERS » (M.Izumi) « Quatre saisons coulant sur le lac » ( Orchestre de flûtes "Umibue" ) , etc….
Elle a été invitée à de plusieurs festivals de musique tels que « Aspen Music Festival , « Galway Flute Festival » à Weggis en Suisse, « Festival de musique de chambre Kovachevitsa », etc…
Elle a été également invitée à donner des masterclasses sur ses ouvres dans le monde entier, notamment à la “Juilliard School” à NY….
Depuis 2020, elle organise un festival de musique à Puget, village du Luberon où elle réside.
A partir de 2008, Alphonse Leduc (éditeur de musique à Paris) signe un contrat d’édition, plusieurs partitions sont publiées. De plus, des partitions inédites peuvent être obtenues sur le site Web de la compositrice elle-même
(www.yukouebayashi.com).
Biographie de Nora Lamoureux
Passionnée par la harpe dès son plus jeune âge, Nora a tout mis en œuvre pour faire de sa passion son métier. Elle fait ses premières notes au CRD de Cholet auprès de Véronique Chenuet avant d’être reçue à l’unanimité au CNSMD de Lyon dans la classe de Fabrice Pierre. Elle y obtiendra son DNESM de harpe en 2005, rejoindra les rangs de l’atelier XX/21 en 2006/2007 et se verra délivrer le CA en 2008.
Son intérêt pour les autres instruments l’amènera à pratiquer également la percussion pendant 8 ans auprès d’Alain Henry et à obtenir une médaille d’or de musique de chambre.
Elle sera invitée à se produire dans de grandes formations telles que l’Orchestre Philharmonique de Monte-Carlo, l’Orchestre Symphonique de St Etienne, l’Orchestre Philharmonique de Berlin, l’Orchestre de la Staadskapelle de Dresde, l’Orchestre « Les Siècles », l’orchestre Divertimento, l’Orchestre de l’Opéra de Marseille, le Varsovia Philharmonic (…) sous la direction de Marek Janowsky, Jesus Lopes-Cobos, Laurent Campellone, Sir Simon Rattle, Fabio Luisi, François-Xavier Roth (…) qui l’amèneront sur de grandes scènes européennes : Philharmonie de Berlin, Opéra de Dresden, Auditorium Ranier III, Musikverein de Vienne, Grand Théâtre de Provence, Théâtre des Champs-Elysées, Radio-France, Philharmonie de Rotterdam, Philharmonie de Varsovie, Rudolfinum de Prague…
Elle est finaliste des concours de harpe solo de l’Orchestre Symphonique de St Etienne et de l’Académie Karajan de l’Orchestre Philharmonique de Berlin et occupe actuellement le poste de harpe solo à l’Orchestre Philharmonique du Pays d’Aix.
Elle est membre de plusieurs groupes de musique de chambre : trio AMA (flûte, alto et harpe), trio Hestia (violon, violoncelle et harpe), Ensemble Des équilibres, Ensemble Les Oréades et joue régulièrement sous diverses formations avec ses collègues du conservatoire d’Aix en Provence dont elle est le professeur de harpe depuis septembre 2008.
Ouverte à tous les styles musicaux, elle a participé à l’enregistrement du 1er disque de la chanteuse Emilie Marsh et partagé la scène avec Abd Al Malik.
Biographie de Patrick Zygmanowski
Patrick Zygmanowski est un pianiste virtuose d’origine polonaise dont le parcours, jalonné de moments exceptionnels dès son plus jeune âge, a fait de lui l’un des artistes les plus en vue de sa génération. Dès l’âge de 10 ans, il offre son premier récital, une performance qui préfigure l’étendue de son talent. Depuis, il parcourt les plus grandes scènes du monde, des prestigieuses salles de concert d’Europe et des États-Unis aux plus emblématiques d’Asie et d’Amérique Latine.
Issu de la grande tradition de l’école française de piano, Patrick Zygmanowski est diplômé du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris, où il obtient plusieurs premiers prix, notamment en piano et musique de chambre. Il est également lauréat du très sélectif programme du 3e cycle, qui forme les meilleurs solistes français.
Son brillant parcours académique s’achève par une bourse du gouvernement allemand, qui lui permet de se perfectionner à la Hochschule für Musik de Munich. Cette formation prestigieuse le prépare à une carrière internationale aux côtés des plus grands solistes. Parmi eux, il collabore avec des artistes de renommée internationale tels que Frédéric Moreau, Gérard Caussé, Renaud Capuçon, Romain Guyot, Jean-Louis Cappezali, Naoto Otomo, etc.
Les critiques, unanimes, saluent son jeu à la fois sensible et virtuose, offrant une maîtrise émotionnelle parfaite et une technique éblouissante de facilité. "Un interprète qui porte son partenaire comme on porte au ballet, avec élégance et autorité" (Le Monde de la Musique), "une virtuosité éblouissante, associée à une intelligence musicale et un humour subtil" (Classica), "un artiste au toucher délicat et expressif" (Répertoire). Patrick Zygmanowski incarne l’alliance de la rigueur technique et de l’émotion pure.
Sa discographie, riche et variée, témoigne de son éclectisme musical. Elle comprend un enregistrement remarqué de la musique française pour clarinette et piano (Duo Héau-Zygmanowski, Lyrinx, 1999), ainsi qu’une intégrale des sonates de Brahms et Reger (Zigzag Territoire, 2003), qui reçoit un accueil triomphal de la presse spécialisée : "Nos jeunes concertistes parlent la langue musicale de Brahms avec un naturel, une poésie et une délicatesse admirables" (Diapason). Plus récemment, il a enregistré Schubert à quatre mains avec Tamayo Ikeda (WPCS 12323, 2009), Le piano danse (Harmonia Mundi, 2014), et un hommage vibrant à Astor Piazzolla avec le Trio Innova (IndeSens, 2018).
En tant que compositeur et arrangeur, Patrick Zygmanowski collabore avec des institutions prestigieuses telles que la Comédie-Française à Paris, et ses créations lui valent le Prix Delmas de l’Académie des Beaux-Arts. Parallèlement à sa carrière de concertiste, il se consacre également à l’enseignement et est titulaire du Certificat d’Aptitude aux Fonctions de Professeur de Piano. Il enseigne à l’École Normale de Musique de Paris et au Conservatoire à Rayonnement Régional d’Aix-en-Provence, tout en occupant le poste de professeur invité permanent à l’Osaka College of Music au Japon.
De 2010 à 2012, il assume la direction artistique de la Villa Kujoyama à Kyoto, une résidence d’artistes soutenue par le Ministère des Affaires Étrangères et Européennes, qui lui permet de jouer un rôle clé dans l’échange culturel entre la France et le Japon.
Biographie de Mareike Schellenberger
Mareike Schellenberger étudie à la Folkwang Hochschule Essen, puis aux Hochschulen de Leipzig et Zurich (Hans-Joachim Beyer, Ingrid Figur, Irwin Gage Christoph Prégardien, Elizabeth Schwarzkopf).
Encore étudiante elle débute à l’Opéra National de Schwerin. Suivent des engagements aux Opéras de Lucerne et Wuppertal. La mezzo-soprano se produit dans des grandes salles européennes comme l’Arsenal de Metz, le Grand Théâtre de Provence, le Théâtre du Châtelet, Tonhalle Zürich, Konzerthaus Berlin. Ses concerts sont diffusés par Deutschland Radio Berlin, MDR, NDR, France Musique et SFR 2 Kultur. Sa prédilection pour le Lied la conduit à chanter tant aux côtés de Jérôme Hantaï qu’avec le Gewandhausorchester, le Zürcher Kammerorchester, Neue Philharmonie Ruhr, Musikkollegium Winterthur. Elle enregistre pour genuin, cpo, actes sud.
L’artiste conçoit ses propres spectacles à la croisé des arts : danse, musique, théâtre. Elle a enseigné sept ans à la Hochschule de Leipzig. Depuis 2015 elle est professeur de chant et d’Art lyrique au CRR dʼAix-en-Provence où elle réalise des mises en scène très remarquées.
Biographie de Olivier Lechardeur
Olivier Lechardeur est né à Marseille. C’est dans cette ville qu’il débute ses études musicales, avant de les poursuivre à Genève dans la classe d’Elisabeth Athanassova.
Sa curiosité et son interêt pour la musique de chambre l’amènent à rencontrer de nombreux musiciens de tous pays avec lesquels il s’est produit en France, Allemagne, Italie, Belgique, Suisse, Norvège, Tunisie, Syrie, Algérie, Chine…
Sur scène, il côtoie des personnalités telles que Georgy Sebok, Vladimir Spivakov, Ruggiero Ricci, Michel Portal, Bruno Rigutto, Régis Pasquier, Felicity Lott…
Depuis 2006, il s’associe à des comédiens ( Philippe Girard, Didier Sandre, Marie-Christine Barrault, Samuel Labarthe…) dans le cadre de spectacles mêlant musique, théâtre, lecture ... (Debussy-Van Gogh, Le Loup, Aux animaux-aux enfants, Trazom, L’Intruse…)
L’année 2008 voit la création d’Australoquintet, ensemble spécialisé dans les musiques du Sud.
Il fonde en 2011 le Trio des Esprits avec la violoniste Laurence Monti et le violoncelliste Frédéric Lagarde.
Impliqué dans une démarche de création, il co-écrit le texte et la musique de L’effroyable histoire du Petit Poucet, réalise une partition pour le film muet Chang de Merian C.Cooper et Ernest B. Schoedsack, puis met en musique Le masque de la Mort Rouge d’Edgar Poe.
En 2021, il enregistre à Leipzig des Lieder de Christian Kram, en compagnie de Mareike Schellenberger, pour le label Genuin.
En 2023, en compagnie du violoniste hongrois Vilmos Czikos, il réhabilite des pièces oubliées d’Henry Vieuxtemps pour le label Naxos.
Depuis 2023, il assume la co-direction artistique de l’Ensemble Instrumental de Provence Verdon.
Il est membre de l’ensemble Ars Tango, qui s’inscrit dans la lignée du Tango Nuevo de Piazzolla.
Olivier Lechardeur enseigne actuellement au Conservatoire à rayonnement régional d’Aix-en-Provence.
Présentation de l’ensemble AixTempore
L’ensemble AixTempore, fondé en 2026 par Adam Bernadac, regroupe cinq musiciens passionnés de musique ancienne et d’improvisation, issus de l’atelier de contrepoint improvisé du conservatoire Darius Milhaud d’Aix-en-Provence.
Présentation de l’orchestre Brass Koulè
Le Brass Koulè est un orchestre de musiques créoles de 10 musiciens basé à Marseille dont le répertoire est exclusivement construit autour des musiques de la Caraïbe : Kompa, Zouk, Kadans, Rara, Calypso, Salsa etc. Activiste de la scène Marseillaise depuis 10 ans, la fanfare a déjà donné plus de 100 représentations.
Cette formation à géométrie variable a rassemblé près d’une trentaine de musiciens issus d’univers différents : élèves du CNRR de Marseille, du Conservatoire d’Aix ou de l’IMPF de Salon de Provence, membres de groupes de musiques traditionnelles (Gwo Ka, Maloya etc…), élèves de la Cité de la Musique de Marseille, activistes de la scène World Music, collectif de fanfares marseillaises Jean-Jaurès Brass Stars, membres de la diaspora haïtienne (association Roseau 509). Le Brass Koulè est donc un regroupement de musiciens, de tous âges, horizons, origines et de tout genre, motivés par l’envie de partager une culture musicale singulière et une pratique artistique bien identifiée en investissant tous les espaces de la « cité ».
L’orchestre a également ponctuellement collaboré avec des artistes professionnels dans le cadre de résidences, de répétitions encadrées, des évènements culturels : Simon Sieger (Cie Nine Spirit) dans le cadre d’une résidence de préparation à un enregistrement en studio, Elise Sut pour un apport technique autour du tuba, Ben Labejof (KompaBrass) dans le cadre d’une résidence autour de la musique Kompa, Alex Brand (Fanfare From Scratch, IMFP), Grégoire Cattin (Calypsociation) pour des interventions autour du Steel Drum, Médéric Collignon dans le cadre de l’évènement à vous de jouer etc.
Notre répertoire s’appuie principalement sur des reprises de musiques populaires de l’arc caribéen et de compositions inspirées de ces différents styles. La biguine, la mazurka, le calypso, le kompa et le zouk sont, à l’instar du jazz, une synthèse des apports culturels de trois civilisations : africaine, amérindienne et européenne, produit de la tragique histoire que l’on connaît, et laissent également une large part à l’improvisation que nous mettons à profit. A travers ce répertoire, Brass Koulè rend aussi hommage à de grands compositeurs français d’origines antillaises et créolophones : Mario Canonge, Alain Jean-Marie, Marius Cultier, Jacob Desvarieux etc.
Biographie de Farah Sinha
LA TRANSMISSION : Formée au sein de l’Université de la Méditerranée, Farah est titulaire de deux Masters Education et Motricité et Management du Sport. Elle poursuit une formation Doctorale en Sciences de l’éducation, et sera diplômée en Système d’Evaluation et d’Apprentissage par l’Université de Provence. Ancienne Gymnaste, elle est également chorégraphe et entraîneur fédérale de gymnastique, puis dispensera ses enseignements au sein de l’Université de la Méditerranée (STAPS et Sciences). Experte en activité de transmission des formes corporelles en danse et en Gymnastique, sa passion la pousse à rechercher en dehors de nos frontières de nouvelles techniques autour de l’expression, du langage corporel et du "modelage" du corps en mouvement.
LA DANSE : C’est aux Etats-Unis qu’elle découvre le monde du Music-Hall et du cirque. Elle décide de quitter ses fonctions pour se dévouer durant 3 ans à Las Végas, à sa passion pour la scène et pour le monde du spectacle vivant. De retour en France, elle peaufine son art en se formant auprès de Clair Joubert puis du Cirque Chine à Paris. Elle devient contorsionniste et se produit en France et à l’étranger. Elle offre sur scène des numéros mêlant chant et contorsion. Elégance, poésie, originalité : sa maîtrise artistique et ses multiples approches du spectacle vivant sur scène rendent ses shows uniques. Elle est repérée par plusieurs Agences évènementielles, publicitaires, ainsi que productions cinématographiques et développe un réseau professionnel dense. En 2021, elle fonde le collectif d’artistes locaux Sinha Circus© qui a pour vocation de créer des animations et spectacles tous publics pour les collectivités locales.
LA VOIX : Pour aller plus loin dans d’expression vocale et scénique elle rejoint l’Institut Musical de Formation Professionnelle (IMFP) pour 3 ans de formation Spécialité Jazz. Elle forme diverses formations jazz et musique du monde (Covinha Quartet) et actuelle accompagnée de musiciens de renommée nationale et internationale. Elle fonde notamment en 2022 le trio vocal Les Soeurs de Byzance©. En 2023 au côté du pianiste de renom Philippe Coromp, né le Duo de jazz Evidence. En 2024, né le projet Archipel (duo Contrebasse/voix) aux côtés de Patrick Ferné.
En 2021, elle rejoint le Studio des Aviateurs est formée au doublage voix pour le cinéma sous la houlette d’Agathe Schumacher, Philippe Peythieu, Juliette Degenne et Benoit Dupac. Doubleuse depuis 2023, elle profite pleinement de cette expérience pour peaufiner son travail autour de la plasticité vocale. Elle développe aujourd’hui sa propre Méthode au sein des Cours Sofia©, et mêle innovation, expression corporelle chant et danse, nourrie de multiples courants artistiques et pédagogiques.
Biographie de Philippe Coromp
Titulaire du D.E. et du P.E.A Jazz.
Piano : 1er Prix de la Classe de Jazz de Guy Longnon, Conservatoire de Marseille Contrebasse : diplômé du CRR d’Aix en Provence
Pédagogie
Il enseigne aux CRR d’Aix-en-Provence et à l’IESM
Il a enseigné au Cfmi, au Cefedem, au CRR d’Avignon et au CRR de Perpignan aux côtés de S.Lazarevitch et a été formateur (Improvisation) pour la préparation au C.A. de Professeur de Piano.
Il a crée et dirigé une école de piano (Ajc) à Aix en Pce de de 1992 à 2003.
Présence Scénique
Il se produit régulièrement sur scène dans des clubs de Jazz de sa région (Pelle Mele, Ajmi, Cité de la Musique, Cri du Port, Espace Julien, Hot Brass...) mais également à Paris (Théâtre de Cluny, Sunside...) ainsi que dans des festivals de Jazz (Barcelonnette, Rouen, Bayeux, Nîmes, Jazz Vocal Festival de Crest, Festival de Jazz d’Aix (1ere partie Ahmad Jamal) avec l’Octet de J.F Bonnel, Musique dans la rue (Aix).
Lors de ces concerts, il a joué avec de nombreux musiciens parmi lesquelles on peut retenir : Jacques Higelin à St Florent en 1984, Roger Nikitoff, Robert Petinelli, Christophe Marguet, François Méchali, Éric Barret, Daniel Huck, Thierry Péala, Piedric Pedron, Guillaume Naturel, Serge Lazarevich, François Laudet
Concert avec Hélène Grimaud avec l’orchestre du CRR d’Aix en Provence
Créations et Discographie
Il crée en 1995 le Trio ”Effigie” avec Eric Surmenian et J.C”Ticok” Proserpine et enregistre un CD (Sélection CD Jazz Hot 97).
Il compose une musique de ballet (1985) et co-écrit la musique du film ”La Grande Vie” de P. Dajoux (2000).
Il participe à des émissions de radio et télévision : direct à France Musique en duo avec Christian Bon, TMC émission ”Sud” avec Isabelle Carpentier 4tet, France 2 avec Aurélia O’Leary.
Il participe en tant que Pianiste ou Contrebassiste à l’enregistrement de différents CD
(Scatsy, P.Gueyrard, E.Marsh, E.Bourgeois), en 2013 : Adelphi Trio avec Fred Mennillo et Pierre Fenichel (compositions personnelles), émission et diffusion du CD sur France Musique et Radio Canada.
Activités Artistiques
Depuis 2014 : Contrebassiste dans l’Orchestre de chambre « Les Archets du Roy René » Pianiste Soliste : Concerts Duke Ellington Symphonic pour Orchestre symphonique et Big band au CRR d’Aix en Provence en 2015 et 2016.
Depuis 2023, Création du Duo Evidence avec Farah Sinha.
Biographie de Louis Coromp
Percussionniste depuis plus de onze ans, passionné de musique grâce à un environnement familial qui l’a bercé dès son plus jeune âge, il a fait des percussions le fil conducteur de son parcours artistique.
Toujours partagé entre deux univers qui le passionnent, le sport et la musique, il poursuit un cursus en cycle spécialisé de percussions au Conservatoire Darius Milhaud d’Aix-en-Provence, où il étudie depuis 2013.
Il se produit régulièrement sur scène au sein de l’Orchestre Symphonique du Conservatoire Darius Milhaud.
Au cours de son parcours, il a également intégré l’Ensemble Musical du Sud et le Bambou Orchestra, avec lesquels il s’est produit dans plusieurs salles et événements prestigieux, notamment au 6MIC, au Grand Théâtre de Provence, à l’Auditorium Campra, au Théâtre de Verdure ainsi qu’à la salle Émilien Ventre.
La richesse des percussions, qui réunissent une grande diversité d’instruments, lui permet d’explorer des univers musicaux très variés. Il porte un intérêt particulier au Jazz et au vibraphone, et puise son inspiration auprès de grands musiciens tels que Gary Burton et Milt Jackson.
Pour lui, les percussions représentent la rencontre idéale entre ses deux passions : le sport et la musique. Instrument physique, exigeant et polyvalent, elles correspondent parfaitement à sa personnalité et à son énergie.
Également attiré par la transmission, Louis Coromp s’investit dans l’enseignement des percussions. Il est intervenu ponctuellement au sein du dispositif Orchestre à l’École à Marseille et assurera prochainement l’enseignement des percussions dans le cadre d’Orchestre à l’École à Aix-en-Provence.
Biographie de Patrick Ferné
Compositeur et multi-instrumentiste ( Contrebassiste, bassiste électrique et guitariste), Patrick Ferné s’est formé au classique auprès de G.Defurne ( CNSM de Paris) et de JB Rière
( Ensemble Télématique), ainsi qu’au jazz à I’ IMFP ( Michel Zenino) et au conservatoire Darius Millaud d’Aix-en-Provence ( JF Bonne/). Il approfondit son apprentissage auprès de Ray Drummond, Bob Gulloti, Clovis Nicolas, Scott Colley lors de Master Glass.
Sa belle sonorité et son ouverture d’esprit lui permettent de s’adapter à divers contextes musicaux. Il joue et collabore avec des artistes aussi divers et singuliers que sont : Hugh Coltman, Emilie Lesbros, Marianne Suner, Eddy Maalem, Henri Florens, Caroline Mayer ...
Tournées en Europe et aux USA :
Tie Break ( Trio Jazz groove avec Cyril Benhamou et Gérard Gatto ), tournées, album de 2016 à aujourd’hui/ Finaliste Tremplin Jazz à Vienne en 2017 / Lauréat tremplin Nice Jazz Festival ( Programmation Jazz à Juan les pins )
PinkNoColor (Pop), réalisation de l’album« Sweet Météorite » ( Pias ), tournées et Clip ( / follow)
Kabbalah ( World) : Tournées internationales avec deux albums ( L’autre Distribution) de 2003 à 2015 / Prix ADAMI en 2014
D’autres projets artistiques pour lesquels il collabore :
– Clip de Siska « Ta peau »
– Clip avec Coralie Clément ( Composition de Benjamin Biolay) « L’Ombre et la lumière »
– Pagaille ( Chanson Française), tournée et réalisation d’album ( 1995)
– Musique de film « Oh les beaux dimanches »de Julie Gavras ( Comic Strip Productions)
– Eddy Mallem ( Chorégraphe )
Biographie de Luisa Briguglio
Originaire de Messine, en Sicile, Luisa Briguglio est une artiste pluridisciplinaire dont le parcours se déploie à la croisée du théâtre, de la musique et de la littérature. Formée à la danse, au théâtre et titulaire d’un diplôme en lettres modernes, elle développe très tôt une pratique artistique nourrie par la rencontre des disciplines et des cultures. Son travail vocal puise dans les traditions musicales du sud de l’Italie tout en s’ouvrant aux répertoires latino-américains et cap-verdiens. Depuis 2017, elle est la voix principale du groupe PopulAlma, avec lequel elle enregistre deux albums, Cantu Forti et Spaccaventu.
Parallèlement à son activité musicale, elle mène un parcours théâtral en tant que comédienne et assistante à la mise en scène.
Elle participe à plusieurs créations originales, parmi lesquelles Percée et Cantu e cuntu, affirmant une démarche artistique fondée sur le dialogue entre récit, musique et présence scénique.
En 2023, elle rejoint le groupe El Colectivo mais aussi devient la chanteuse du groupe ’Ngasa ’Ngasa. Avec cette formation, elle participe à l’enregistrement du single Safari (2024) puis de l’album Tra due Rive (2025).
Son engagement artistique est salué en octobre 2024 par l’obtention du Prix Ethnos Generazioni à San Giorgio a Cremano, près de Naples.
L’année 2025 marque également une étape importante avec la sortie de son premier album solo, Truvatura, précédé du single Il Cacciatore. Quelques semaines après sa parution, Luisa Briguglio remporte le prestigieux Prix international Andrea Parodi à Cagliari, en Sardaigne, distinction de référence pour les musiques du monde et les nouvelles écritures musicales méditerranéennes.
Aujourd’hui, son travail s’attache à faire dialoguer les héritages populaires, la création contemporaine et les récits de l’exil, dans une démarche artistique profondément ancrée dans les échanges entre les cultures de la Méditerranée.
Biographie de Fabrizio Lai Dessì
Né à Cagliari, Fabrizio Lai Dessì est guitariste, compositeur et arrangeur. Son travail artistique s’articule autour du dialogue entre les traditions musicales de la Méditerranée et celles d’autres cultures, avec un intérêt particulier pour la musique capverdienne, le fado portugais, les musiques des Balkans et du Moyen-Orient, ainsi que l’afro-samba brésilienne.
Diplômé du Conservatoire de Cagliari, où il a étudié la guitare jazz et les percussions, il développe parallèlement une démarche nourrie par les voyages, la recherche de terrain et les collaborations artistiques. Cette exploration lui permet de construire un langage musical personnel, à la croisée des traditions et de la création contemporaine.
Depuis 2020, il collabore avec la Sardegna Film Commission et le Centro Sperimentale di Cinematografia de Rome en tant que compositeur pour l’image. Il signe les musiques de nombreux courts métrages, films publicitaires et web-séries, ainsi que la bande originale du long métrage documentaire Cretcheu, réalisé par Joe Bastardi et consacré à la musique capverdienne, tourné dans l’archipel du Cap-Vert.
Il compose également des musiques de scène pour les productions de la compagnie Teatro La Maschera.
Il collabore régulièrement avec la maison de production SardMusic en qualité d’interprète et d’arrangeur, participant à plusieurs projets discographiques, parmi lesquels Inghirios du groupe Le Balentes, troisième lauréat du Premio Loano per la Musica Tradizionale Italiana, Sola de Stefania Secci Rosa, Raixe de Matteo Leone, Fortunate possibilità d’Andrea Andrillo et Kalaritana d’Alberto Sanna.
À travers ses projets artistiques, Fabrizio Lai Dessì explore les patrimoines musicaux des cultures qui l’inspirent. Son univers sonore associe guitares et instruments traditionnels tels que le bouzouki, le saz bağlama et le didgeridoo, dans une démarche où se rencontrent tradition, improvisation et écriture contemporaine.
Biographie de France Duclairoir
Sur la scène musicale actuelle, la contrebasse éclectique de France Duclairoir connaît peu de frontières. Précise, puissante, inventive, elle s’illustre partout où l’inspiration l’appelle, du jazz, aux répertoires traditionnels, des envolées baroques aux rythmes de la Colombie… France Duclairoir est de ces artistes qui préfèrent aux limites esthétiques, la curiosité d’une découverte musicale et humaine. Son goût de la rencontre l’a amenée à collaborer auprès d’artistes d’horizons divers, dont le jazzman Raphaël Imbert, le chef d’orchestre et pianiste Amine Soufari, le chanteur flamenco Luis de la Carrasca, le violoniste Yardani Torres. Elle est membre du quartet d’Oona Zahra Lise aux côtés de Cédrick Bec, du quintet Atmaten (hommage à Fayrouz), du trio d’Amine Soufari (jazz et musique d’Algérie), du projet de la chanteuse Mamia Cherif aux côtés de Sandrine Marchetti, du groupe de la chanteuse colombienne Tattiana Angel et celui de la chanteuse sicilienne Luisa Briguglio ainsi que dans le swing sextet de Romain Morello.
Ses capacités de lecture « à vue » et son son redoutable sens du rythme l’amènent régulièrement à s’illustrer sur des représentations uniques et à assurer des remplacements occasionnels dans des formations telles que le projet de Sarah Quintana (New-Orleans), du Shoeshiners band, le trio de Max Atger ou l’hommage à Nina Simone de Sandra Mounam aux côtés de Zaza Desiderio et Camille Thouvenot.
France se produit dans tout l’Hexagone et a écumé, dans les Bouches-du- Rhône, des scènes aussi prestigieuses que Théâtre de la Criée, le Grand Théâtre de Provence, la Cité de la musique, le Théâtre Sylvain, le Petit Duc ainsi que d’autres belles scènes telles que le 38Riv, le Théâtre Massimo à Cagliari mais aussi dans divers festival tels que Marseille jazz des cinq continents, Parfum de jazz, Jazz à Vienne, le Festival de Pâques d’Aix en Provence, Mus’iterranée... À l’étranger, France Duclairoir a travaillé en Colombie, en Belgique, en Italie et en Allemagne.
Biographie de Matteo Nocera
Originaire de Naples, Matteo Nocera est percussionniste, batteur, compositeur, chercheur et auteur. Il vit et travaille entre l’Italie et la France. Après plusieurs années passées à Paris, il s’est installé à Marseille, où il développe une recherche artistique qui met en dialogue les traditions musicales de la Méditerranée avec le jazz et les musiques contemporaines.
Depuis plus de vingt ans, il mène une intense carrière de musicien de scène tout en poursuivant un travail de recherche autour des musiques traditionnelles. Son univers musical se situe au croisement du jazz, des musiques populaires du sud de l’Italie, des traditions méditerranéennes et de l’improvisation contemporaine, avec des concerts dans de nombreux festivals en Europe et sur le continent américain.
Au fil de son parcours, il a collaboré avec le pianiste Georges Ed. Nouel, figure majeure du jazz antillais, le chanteur-auteur-compositeur franco-italien Sandro Joyeux, le quatuor marseillais Deli Teli, qui revisite les répertoires grecs des années 1960 et 1970 en mêlant Laïkó, Tsiftetéli, rock psychédélique et influences moyen-orientales, ainsi que la chanteuse sicilienne Luisa Briguglio.
Il a également été batteur et percussionniste du groupe Guappecartò, avec lequel il s’est produit dans de grands festivals en Europe et sur le continent américain. Installé à Marseille, il collabore également avec plusieurs figures majeures de la scène musicale occitane, parmi lesquelles Manu Théron et Sam Karpienia.
En 2024, il fonde NGASA NGASA, un projet qui mêle les traditions musicales du sud de l’Italie, le funk-jazz napolitain et des compositions originales inspirées par les enjeux sociaux et les cultures méditerranéennes. Avec ce projet, il publie le single Safari (2024), puis l’album Tra due rive (2025).
Parallèlement à son activité de musicien, il réalise des podcasts documentaires consacrés à la musique et à la culture italiennes pour Radio RAI et la revue indépendante Napoli Monitor. Parmi ses réalisations, disponibles sur RaiPlay Sound, figurent Angela Luce – Une maison pleine de lumière, Something About James Senese et Patrizio – Une météore napolitaine.
Biographie de Cathy Heiting
"Cathy Heiting, c’est le miel mélangé à du tabasco, une artiste pétrie de talent, d’humour et d’humanité." France Net Infos
Vocaliste hors norme au parcours éclectique entre jazz, groove et lyrique, Cathy est régulièrement programmée en salles, festivals, théâtres de renom : Parfum de Jazz 2024, Marseille Jazz, Crest Jazz Vocal (Prix du Public), Sunset et Petit Journal Montparnasse à Paris, Jazz à Vienne le off, Le Petit Duc, Rhino Jazz Festival, Marseille Concerts, Théâtre du Balcon, Théatre Toursky, Réseau Chainon Manquant FNTAV, Région en Scène, Sélection Jammin’ Juan 2023…
Porteuse de projets depuis 2007, elle tourne essentiellement avec ses créations portées par la Cie Emmène-moi dans la Forêt Prod. 5 projets sont en actuellement en tournée :
– Cathy Heiting Quintet, une nouvelle formation jazz hybride, (Sélection Jammin’ Juan 2023) avec un 1er répertoire tout public (standards savamment réarrangés et compositions) et un 2d répertoire créé en 2024 UNCONDITIONAL assorti de son EP éponyme (compositions autour du thème de l’amour sans condition, du lien, de la bienveillance). La création a été programmée au Petit Duc (salle aixoise partenaire depuis 2017) avec le soutien du CNM.
– Jazz and Wine Stories / Label MPG 2019 avec le soutien du Conseil Départemental et du Petit Duc, un récital sur le lien véridique ou sublimé entre stars du jazz et domaines viticoles reconnus.
– Le Conte du Petit Bois Pourri (spectacle et album), créé en 2018, un conte pour adultes et grands enfants sur l’amour et l’intégrité psychique illustré de ses compositions lyrico-funk.
– Cathy Heiting/Loïs Coeurdeuil Quartet, cette formation créée en 2024 propose un répertoire soul/jazz (standards et compositions). Un teaser vidéo ainsi qu’une composition ont été enregistrés au Studio Escobette en 2024. Une sortie d’ EP concernant les compositions est prévue le 22/05/25 au Petit Duc (Studio Manuel) ainsi qu’une création en 2025 « Un tantinet soit peu... », répertoire de compositions en français.
– Duo Cathy Heiting/Renaud Matchoulian, créé en 2025 ce duo propose un répertoire jazz/soul avec des nouvelles compositions. Une vidéo a été diffusée en décembre 2024 afin de présenter au public ce nouveau répertoire.
On a également croisé Cathy lors de belles premières parties : Michel Legrand, Cecil Mc Lorin Salvant, Didier Lockwood, Thomas Dutronc, Sandra N’Kaké…
En parallèle, elle collabore avec le guitariste varois Loïs Coeurdeuil en quartet et a partagé la scène avec d’autres partenaires brillants tels que Médéric Collignon, Cyril Benhamou / Tie Break…
Dans le domaine de la transmission, elle s’est spécialisée en coaching scénique dans le cadre de Masterclass destinées aux chanteuses/chanteurs en voie de professionnalisation et sait se rendre disponible pour l’accompagnement personnalisé ainsi que le soutien des jeunes artistes (IMFP, 6MIC).
Biographie de Samuel Bobin
Né en 1976 à Aix-en-Provence, Samuel Bobin le batteur et co-fondateur du groupe Poum Tchack, il écume les scènes nationales et internationales pendant une dizaine d’années puis accompagne de nombreux artistes comme Guy Marchand, Charlotte Adrien, Helena Maniakis ou encore Cathy Heiting auprès de laquelle il officie en sideman sur des créations originales depuis plusieurs années (jazz, conte musical, performances, groove, électro …).
Sa rencontre avec Cathy Heiting se fait en 2010 autour d’un trio constitué, Sudden Jazz & Groove, avec Jonathan Soucasse (piano) et Stéphane Lopez (contrebasse) : il intègre le trio qui devient quartet.
En 2013, il propose à Cathy de poser sa voix sur les compositions originales de Stereobox, un trio électro fondé par Alexandre Morier (guitare/loops), Fabien Ottonès (basse) et lui-même (batterie/samples).
En 2017, il rejoint Cathy sur la création d’un conte musical pour adultes Le Conte du Petit Bois Pourri, auquel s’ajoutent Renaud Matchoulian (guitare) et Sylvain Terminiello (basse).
A la fin de l’été 2022, il intègre le projet en Quintet avec Cathy Heiting
Tout au long de son parcours, il étend ses collaborations à la danse, au théâtre, aux B.O de films d’animation, podcasts etc… En 2015 il commence à réaliser des clips d’animation faits de collages numériques pour différents projets. En 2017 sont publiées les Larmes Mythologiques, long poème musical versifié sur Didon et Énée, qu’il écrit et donné au Palais de Tokyo avec la violoncelliste Veronika Soboljevski. En 2020, il compose et écrit l’album Combustion Spontanée (Groove poétique, sillon érotique), un opus de 11 chansons d’amour, élu album 2020 par Nos Enchanteurs.
Finaliste du prix Hemingway 2021 avec sa nouvelle Mamã Torea, il concourt en même temps pour le Prix de la Nouvelle Érotique dont il est lauréat en 2022 avec La Marne en filigrane.
Biographie de Nicolas Franck Lamiot
Franck Lamiot aka Dandy Lions a été formé au piano, en région PACA par Philippe Coromp et H. Florent, à L’IMFP (Salon de Provence), au conservatoire de Marseille, puis au CIM Paris avec E.Bex.
Sideman depuis de nombreuses années, aussi bien en chanson française (Oshen/Emmbo), world musique (Wock) ou en jazz (Fred Mennillo, Fred Pasqua, Cyril Achard, Lionel Belmondo, Daniel Huck…), Franck développe en parallèle de nombreux projets personnels, notamment, If Trio et K274, avec lesquels il construit un univers issu du jazz et des musiques improvisées.
Depuis 1996, il participe aux projets de Don Billiez (world/Catalane), saxophoniste/compositeur et producteur incontournable de la scène française. Il est présent sur toutes les tournées françaises, et a enregistré quatre albums, dont le dernier (Echoes of Magic Trips) sorti en mars 2018. Franck a accompagné le projet Garage, rock français, provocateur et politique, en France à Marseille (Dock des Suds, en première partie de Thiefaine, Paul Personne), Paris (Le Réservoir), Annecy (Le Brise Glace) et l’international (Tournée tchèque 2005 et en Serbie 2009). Il a accompagné le groupe franco-sénégalais Wock (rock Wolof), qui fut générique du Paris Dakar 2000. Tournée Afrique de l’ouest et centrale en 1997/98 et 99. Tournée européenne (France et Italie) en 1999. Il a assuré la première partie de grands artistes tels que Youssou Ndour, Ray Lema et Manu Dibango. Il a participé au premier album ainsi qu’aux trois premières années de tournées (V2 music et Garance production) du groupe Oshen (chanson française). Ils ont fait les premières parties de Bénabar, Anais, Pauline Croze…, des concerts parisiens (Le Zébre, l’Européen, la Cigale…) et dans toute la France (tournée Chainon Manquant ) ainsi qu’au Québec et en Suisse (Chat Noir, festivals..)
Pendant huit ans (2002-2010), il est compositeur/musicien, participant aussi bien sur scène qu’en studio, à la création des spectacles de La Compagnie L’Art de Vivre ; la Cartonnerie à la Belle de Mai, Théâtre des Bernardines à Marseille, la Scène nationale de Limoges…
Biographie de Michel Durand-Mabire
Après des études musicales au Conservatoire de Caen (violon, formation musicale, musique de chambre, chant), Michel Durand-Mabire se perfectionne auprès du violoniste Leonid Kogan et poursuit sa formation à l’École Normale de Musique de Paris. Il entre en 1981 à l’Orchestre de Chambre de Rouen, futur Ensemble Orchestral de Normandie, avec lequel il participe à de nombreuses tournées et festivals en France et à l’étranger.
Titulaire des Certificats d’Aptitude de violon, musique de chambre, direction et direction d’établissement, il enseigne successivement dans plusieurs conservatoires avant de rejoindre le Conservatoire d’Aix-en-Provence en 2001 comme directeur adjoint. Il y dirige notamment les orchestres à cordes et symphonique. Nommé directeur du Conservatoire Darius Milhaud en 2022, il poursuit parallèlement une activité de musicien au sein de diverses formations de musique de chambre.
Biographie de NDK
Derrière les trois lettres énigmatiques NDK — clin d’œil au mot grec hendeka (ἕνδεκα), signifiant « onze » — se rassemblent dix saxophonistes et un chef. Onze musiciens animés par un même désir : faire découvrir les multiples visages du saxophone, loin des clichés et des sentiers battus.
À travers leurs propres transcriptions, principalement issues du grand répertoire symphonique et lyrique, l’ensemble révèle toute la richesse de timbres et de couleurs qu’offre cette formation originale. Une démarche fidèle à l’esprit d’Adolphe Sax, dont l’ambition était de créer une famille d’instruments capable de rivaliser avec les cordes et les vents de l’orchestre.
Tous professeurs dans les conservatoires de la région, les musiciens de NDK partagent un engagement commun pour la transmission, la création artistique et la rencontre avec les publics.
Biographie de Brigitte Tramier
Originaire de Provence, Brigitte Tramier a suivi une formation très complète. Diplômée de la Sorbonne et des CNSM de Paris et Lyon, elle a parcouru l’Europe jusqu’à rencontrer Ton Koopman auprès duquel elle a su perfectionner "un jeu personnel et engagé, une grande imagination sonore et une extraordinaire précision rythmique..." Titulaire du CA de Musiques Anciennes, elle a enseigné le clavecin au Conservatoire d’Aix-en-Provence pendant 25 ans et continue à former de jeunes clavecinistes lors de stages d’été. Elle est invitée à se produire régulièrement en soliste et comme continuiste, en France, en Europe et aux EtatsUnis. Elle consacre aussi une partie de son temps aux enregistrements avec orchestre et en musique de chambre. Ses deux premiers disques en soliste ont été salués unanimement par la critique musicale, cités comme versions de référence, il ont obtenu chacun un diapason d’or (Pièces pour clavecin de J.H. d’Anglebert et de J. Duphly). Dernière parution : les transcriptions des pièces d’Opéra de J.B. Lully aux éditions Parnassie (distribution XCP). Elle a également participé à l’intégrale des concertos brandebourgeois de J.S. Bach (Ens. Musica Antiqua ed. Accord)
Biographie de Jean-Pierre Pinet
La discographie de Jean-Pierre Pinet porte témoignage de la curiosité, de l’éclectisme et de l’enthousiasme dont il nourrit son travail, tant comme flûtiste que comme chef d’orchestre. Consacrée à des répertoires très variés (musique française baroque, Bach père et fils, Haydn, Debussy, Roussel, musique française d’aujourd’hui, elle est riche d’une quinzaine de titres très favorablement accueillis par la presse spécialisée (Diapason, Télérama, Classica, Goldberg).
Au cours de ses études, qui l’ont mené du Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris au Conservatoire Royal de Musique de Bruxelles (où il a notamment été formé par Barthold Kuijken), il fut plusieurs fois distingué lors de concours internationaux à Prague, Barcelone, Leipzig ou Ancône.
Directeur musical de l’Ensemble Stravinsky entre 2001 et 2017, il consacre une part importante de son activité à la création. Il est flûte solo de La Chapelle Rhénane et l’un des fondateurs de l’ensemble Les Curiosités esthétiques.
Ses concerts l’ont mené dans la plupart des pays d’Europe et dans bien d’autres régions du monde (Japon, Canada, Venezuela, Israël, Russie).
Professeur aux conservatoires de Metz et d’Aix-en-Provence, Jean-Pierre Pinet a été par ailleurs, tout au long de sa carrière, régulièrement convié à donner cours et conférences dans des établissements prestigieux, comme le CNSMD de Paris, l’Université de Montréal ou le Conservatoire Tchaïkovski de Moscou.
Biographie de Mathilde Giraud
Mathilde Giraud est passionnée par la musique et par la harpe depuis son plus jeune âge. Titulaire de 2 Masters of arts - spécialité Enseignement et Soliste - de la Haute Ecole de Musique de Genève, elle enseigne actuellement au Conservatoire à Rayonnement Régional du Grand Avignon. La pédagogie, la musicologie - titulaire d’une licence de musicologie et de médailles d’or en harpe, musique de chambre, formation musicale - et la scène sont autant de domaines qui alimentent et nourrissent ses activités musicales.
Elle se produit régulièrement au sein de diverses formations : duo Hybride, duo Harpe en Scène, duo Galoubet-Tambourin et Harpe... Elle a été sélectionnée pour jouer dans l’Orchestre du Festival de Verbier.
Biographie de Juan Da Silva
Après plusieurs premiers prix de tuba (Classes d’ A. Boukhitine, de P. Legris…) et de musique de chambre, il suit
une formation de musicien d’orchestre sous la direction de chefs invités tels que J.C. Casadesus, L. Petigirard,
P. Herreweghe, C. Hogwwod… Il continue de se perfectionner au tuba lors de plusieurs rencontres (M. Culbertson, D. Zambon, F. Thuillier, J. Vaillant…). Il joue dans divers ensembles : Brass Band Aéolus, Musicatreize, Orchestre symphonique de Varsovie, Opéras de Marseille et de Toulon, Orchestre National Avignon-Provence, Orchestre des Pays D’Aix, Quintette Itinérance, quintettes de cuivres… Il collabore avec des compositeurs à la création de pièces solistes (Taïbo de François Rossé, Concerto pour tuba et orchestre d’harmonie, puis la Fantaisie Itinérante pour tuba et orchestre symphonique de Bernard Magny…). Il est professeur de tuba aux conservatoires d’Aix en Provence, Avignon et Cavaillon.
Biographie d’Anahit Serekian
Admirée autant pour sa grande élégance sur scène que pour sa profonde musicalité, la pianiste Anahit SEREKIAN a effectué ses études musicales supérieures au Conservatoire National d’Etat d’Erévan, où elle a obtenu ses 1ers prix de piano, de musique de chambre, d’accompagnement et de pédagogie du piano. Elle participe ensuite au Conservatoire Tchaikovsky de Moscou aux cours de perfectionnement des grands Maîtres russes du piano V.Merjanov et L.Bermann.
Dès son arrivée en France elle est admise brillamment au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon où elle obtient le 1er prix de piano (classe de Géry Moutier), ainsi que le 1er prix d’accompagnement au piano (classe de Michel Tranchant). De plus, elle a eu l’opportunité de bénéficier des conseils des Maîtres français du piano tels que Roger Muraro, Dominique Merlet, Jean Claude Pennetier ou Yvonne Loriod.
Actuellement, Anahit SEREKIAN partage sa carrière entre les concerts en récital ou avec orchestre (Orchestre Régional de cannes PACA récemment), ou bien en duo avec des solistes renommés (Philippe Pierlot, Michel Moraguès, Nicolas Dautricourt, Françoise Pollet, Udo Reinemann, Pauline Courtin…) et l’enseignement au CNSMD de Lyon en qualité de professeur. Sa carrière pianistique s’est également enrichie grâce à la participation à de nombreux Festivals tels « Les Pianos-Folies du Touquet », « Les Nuits Pianistiques » d’Aix-en-Provence, « Piano à Riom », « Liszt en Provence », « Musique dans les Vignes », « Les Nuits Musicales de Mazaugues », le Festival de Musique de Toulon et sa région, la saison de concerts de l’Opéra de Marseille ou le Festival de Radio France…
Elle a également participé à plusieurs émissions de France-Musique, parmi lesquelles on peut notamment citer l’émission animée par Lionel Esparza « Sur tous les tons », réalisée en direct du Festival de la Roque d’Anthéron ou celle d’Arielle Butaux « un Mardi Idéal », enregistrée à l’Opéra de Saint-Etienne.
Par ailleurs, Anahit SEREKIAN prend régulièrement part à l’élaboration de spectacles, où Littérature et Musique se rencontrent avec bonheur. Dans ce cadre, elle a eu le plaisir de partager la scène autour de riches thématiques, avec des comédiens et acteurs de premier plan comme Alain Carré, Richard Martin, Brigitte Fossey, Michaël Lonsdale ou Christophe Barbier…
En 2000, Madeleine Milhaud, la veuve du compositeur Darius Milhaud invite Anahit et sa sœur Armine Sogomonyan, à fonder un duo de pianistes dédié à feu son époux. Le duo Darius Milhaud était né.
Titulaire des C.A. de professeur de piano et d’accompagnement au piano, Anahit SEREKIAN enseigne au CNSMD de Lyon et au CRR d’Aix en Provence, et est régulièrement invitée à donner des concerts et à dispenser des master-classes à l’étranger, notamment en Europe de l’Est ou en Asie.
Biographie de Pauline Courtin
Née à Aix-en-Provence, Pauline Courtin étudie la musique au Conservatoire de Marseille où elle obtient un Premier Prix de Chant à l’Unanimité dans la classe de Tibère Raffalli. Elle poursuit ensuite sa formation en classe de perfectionnement au Conservatorio di Santa Cecilia de Rome et au CNIPAL de Marseille. Parallèlement, elle obtient une Maîtrise en droit public à l’Université d’Aix-en- Provence.
Elle débute au Teatro Argentina de Rome, dans le rôle de Blondchen dans Die Entführung aus dem Serail de Mozart, rôle qu’elle reprend au Teatro del Giglio de Lucca. Elle chante ensuite Despina dans Cosi Fan Tutte, puis le rôle-titre du Pollicino de Henze et Iphis dans Jaephtha de Haendel. Elle est ensuite invitée au Teatro Comunale de Bologne, avec la création en Italie d’un opéra de Fabio Vacchi Les oiseaux de passage, dans une mise en scène de Daniele Abbado. Elle est ensuite Taumännchen et Sandmännchen dans Hänsel und Gretel de Humperdinck à l’Opéra de Rome.
Elle travaille sous la direction de chefs prestigieux comme Evelino Pido, René Jacobs, Alain Guingal, Tiziano Severini, Claude Schnitzler, Philippe Auguin, Claire Gibault, Alain Altinoglu, Lothar Zagrosek, Sylvain Cambreling…
Ses facilités musicales lui permettent d’aborder un répertoire moderne : on a ainsi pu l’entendre à Florence au Teatro del Maggio Musicale Fiorentino dans Il Letto della storia de F.Vacchi, dans le Feu, la Princesse et le Rossignol de L’Enfant et les Sortilèges de Ravel au Théâtre du Châtelet puis en tournée aux Opéras de Angers, Nantes et Rennes. Elle est ensuite engagée dans le rôle d’Ygraine d’Ariane et Barbe Bleue de Dukas à l’Opéra de Nice, dans L’Héritière de Damase à l’Opéra de Marseille et Madame Douce Amère dans Die drei Rätsel de Glanert à l’Opéra de Montpellier. Elle tient également le rôle du Chat dans Le Luthier de Venise, création de G. Dazzi au Théâtre de Rouen et au Théâtre du Châtelet.
Elle s’illustre aussi dans le répertoire classique : elle chante Eurydice dans Orphée et Eurydice de Gluck, Blondchen dans Die Entführung aus dem Serail à l’Esplanade Opéra de Saint-Etienne et au Teatro Argentina à Rome, Despina de Cosi Fan Tutte au Festival de Feldkirch, Barbarina dans Le Nozze di Figaro à l’Opéra de Marseille, au Théâtre des Champs-Elysées à Paris et au Barbican Center de Londres, Zerlina dans Don Giovanni au Festival de Saint-Céré, Isabelle dans L’Irato de Méhul (enregistré chez Capriccio) au Festival Beethoven de Bonn, Anna dans Die Lustigen Weiber von Windsor de Nicolaï, au Stadthalle de Bayreuth, Eurydice dans Orphée aux Enfers d’Offenbach à l’Opéra de Dijon, Gilda dans Rigoletto à l’Opéra National de Bordeaux.
En 2008/2009, elle fait ses débuts à l’Opéra de Paris dans Le Nozze di Figaro (Barbarina), dans Gilda de Rigoletto au Festival “Musiques au Coeur” d’Antibes, dans Papagena de Die Zauberflöte à l’Opéra de Monte-Carlo, dans Pélleas et Mélisande à l’Opéra de Manaus et Eurydice dans Orphée aux Enfers à l’Opéra de Metz et au prestigieux Théâtre de l’Archevêché dans le cadre du Festival international d’Aix-en- Provence. Elle est également invitée en récital à Beyrouth avec l’Orchestre National du Liban et au Festival de Manaus pour représenter le chant français et se produit régulièrement avec l’ensemble Accentus dirigé par Laurence Equilbey (Le Paradis et la Péri, Mirjams Siegesgesang…).
En 2010 et 2011, elle chante dans La Vie parisienne au Capitole de Toulouse, Ariane et Barbebleue au Concertgebouw d’Amsterdam, reprend avec succès le rôle d’Eurydice aux Opéras de Toulon, Dijon, Versailles et au Grand Théâtre d’Aix-en-Provence. Elle débute dans le rôle de Soeur Constance dans Les Dialogues des Carmélites à l’Opéra d’Avignon et chante le Stabat Mater de Pergolèse au Festival de Musique sacrée d’Antibes ainsi qu’une série de récitals avec le pianiste Pascal Amoyel, dans le cadre des commémorations du bicentenaire de la naissance de Franz Liszt
Parmi ses futurs engagements : Micaëla dans Carmen à l’Opéra de Rouen, et à l’Opéra Royal de Versailles, Sœur Constance à l’Opéra de Massy, Lydia dans la création de Jean Claude Petit Colomba à l’Opéra de Marseille…
Biographie d’Anne Ménier
C’est à l’âge de dix neuf ans que Anne Ménier entre à l’Orchestre National de Lyon sous la direction de Serge Baudo En 1992, elle réussit le concours de soliste sous la direction d’Emmanuel Krivine et obtient la même année son CA de professeur de violon. Participant régulièrement à de nombreux concerts de musique de chambre, Anne Ménier est contactée par le Quatuor Debussy qu’elle rejoint en septembre 2001.
Durant sept années, c’est au rythme d’une centaine de concerts par an qu’elle se produit sur les plus grandes scènes françaises (Salle Gaveau, salle Cortot, Cité de la Musique, salle Molière à Lyon) et internationales (Concertgebouw d’Amsterdam, Bukan Kaikan Hall à Tokyo, Opéra de Genève, Palau de la Musica à Barcelone ). Elle partage la scène avec de nombreux chambristes, Boris Berezovsky, Philippe Bernold, Frank Braley, Philippe Cassard, Marie-Josèphe Jude, Claire-Marie Le Guay, Pascal Moraguès, Michel Portal, Nemanya Radulovic, Alexandre Tharaud, se produit dans des festivals tels La Folle Journée de Nantes, West Cork Chamber Music Festival, Beijing International Music Festival et donne des masters class aux Etats-Unis et en Asie.
Avec le Quatuor Debussy, Anne Menier participe également à des spectacles de théâtre, de danse ainsi que des créations « jeune public » Elle quitte le quatuor en janvier 2008 pour s’ouvrir à de nouveaux horizons musicaux, Violon solo de plusieurs orchestres, elle continue à se produire en soliste ainsi que dans différentes formations de chambre et enseigne depuis 2014 au Conservatoire de Aix en Provence. Anne Menier joue un violon de Jean-Baptiste Vuillaume de 1869.
Biographie de Pierre-Stéphane Schmidlet
Pierre-Stéphane Schmidlet est un violoniste franco-allemand. Il débute le violon au Conservatoire de Nancy, où, en raison du syndrome de Poland, il adapte la prise de son instrument sur les conseils de son professeur, donnant ainsi un tournant original à son parcours.
Il poursuit sa formation au CRR de Rueil-Malmaison, où il obtient un 1er Prix à l’unanimité avec félicitations du jury, puis intègre le Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris dans la classe de Michael Hentz. Là, il se distingue par l’obtention d’un 1er Prix de violon (ou Master mention très bien), d’un Master en pédagogie et d’un Certificat d’Aptitude à l’enseignement.
Au cours de son parcours, Pierre-Stéphane a eu l’opportunité de travailler avec des maîtres tels que Maxim Vengerov, Hatto Beyerle, Tibor Varga et Ida Haendel, qui ont nourri son développement artistique.
Passionné par la transmission, il enseigne au Conservatoire à Rayonnement Régional d’Aix-en-Provence, tout en développant des projets musicaux qui lui sont chers. Il se produit régulièrement en soliste, en musique de chambre et en orchestre, et participe à de nombreux festivals.
Biographie de Marie-Anne Hovasse
Après un 1er prix de violon au CRR de Nice dans la classe de Gustave Gaglio, Marie-Anne Hovasse poursuit ses études en alto au CRR de Paris puis au Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon où elle obtient en 2003 un DNSPM mention Très Bien à l’unanimité avec mention Spéciale dans la classe de Tasso Adamopoulos. Elle se perfectionne ensuite à la Haute Ecole de Musique de Genève en quatuor à cordes dans la classe de Gabor Takac et suit les classes de maîtres de « Pro-Quartet » à Paris. Elle reçoit les conseils de Vladimir Mendelssohn, Michel Michalakakos, Françoise Renard, Marc Desmons, Serge Collot, Nicolas Mouret et Dominique Miton.
Avec les Temps Modernes, ensemble de musique contemporaine, elle enregistre les œuvres de Ton That Thiet récompensées par quatre diapasons d’or et elle reçoit le Grand Prix Charles Cros pour l’enregistrement chez Universal Music pour des pièces de Tristan Murail.
De 2003 à 2011, elle est membre titulaire de l’Orchestre de Chambre des Pays de Savoie. Diplomée du certificat d’aptitude (master), elle est professeur au CRR Darius Milhaud d ‘Aix en Provence depuis 2010. Très présente sur les scènes du territoire elle se produit dans des formations de musique de chambre ainsi qu’en soliste.
Biographie de Luc Dedreuil-Monet
Luc Dedreuil-Monet a reçu l’enseignement de Marie-Joëlle Le Corre (ENM Valence) puis de Patrick Gabard (CRR Lyon) avant d’être admis à quinze ans au CNSMD de Lyon dans la classe d’Yvan Chiffoleau. Après l’obtention de son Premier Prix mention très bien à l’unanimité (Master), il poursuit ses études en cycle de perfectionnement instrumental (3ème cycle) et, en parallèle, explore de nouveau répertoire à « l’atelier XX-XXI » avec F.Pierre. Il fut par la suite l’élève de Rocco Filipini et en Classes de Maîtres d’A.Noras, G.Hoffman, T.Tsutsumi , et du Trio Wanderer.
Il se produit alors en soliste avec l’Orchestre National de Roumanie sous la direction de Dimitri Liss (Schumann), l’Orchestre des Pays de Savoie sous la direction de Fabien Gabel (triple concerto de Beethoven), l’Orchestre Régional du Dauphiné (Schumann),l’Orchestre « Lyon-Région » (Haydn en ut), l’Orchestre du CNSMD de Lyon sous la direction de P. Csaba (Lalo).
Passionné de musique de chambre, il est lauréat avec le trio Novalis (F.Kowalski, violon- P.Jourdan, piano) du 28ème Concours International Vittorio Gui de Florence avant de remporter au 1erConcours International de Musique de Chambre de Lyon le 2èmePrix, ainsi que tous les prix spéciaux (Prix du public, Prix de la SACEM et le Prix « coup de coeur ». Il reçoit aussi le 2èmePrix au Concours International « Trio di Trieste » en 2005.
De 2006 à 2024, il est le violoncelliste fondateur du Quatuor Béla (F.Aurier-J.Dieudegard, violons- J.Boutin, alto), ensemble à la reconnaisance international. Il collabore alors avec des compositeurs tels que Pierre Boulez, Jean-Louis Florentz, Gilbert Amy, Tristan Murail, Ton-That Tiêt, Thierry Escaich, Albert Marcoeur, F.Kahn, K.Naegelen. Ainsi, on a pu l’entendre à la Philarmonie de Paris, au festival d’Aix en Provence, au festival Musica de Strasbourg, au Théâtre Marinsky de Saint-Petersbourg, au Concertgebouw d’Amsterdam, aux Folles Journées de Nantes, au Festival Radio France à Montpellier, mais aussi sur la Scène Nationale Bonlieu (Annecy) au côté de François-René Duchable, ou en sonate avec l’organiste T.Escaich…
Ses enregistrements ont obtenu de prestigieuses récompenses : « Prix de la presse musicale internationale », « Choc du Monde de la Musique », « Grand prix de l’Académie Charles Cros », « 5 diapasons »… Luc Dedreuil-Monet est titulaire du Diplôme d’Etat, et du Certificat d’Aptitude. Il enseigne à l’IESM d’Aix en Provence, au CRR de Toulouse jusqu’en 2025 avant de rejoindre le CRR de Nice.
Présentation de la Marmaille
Anaïs Andret Cartini baigne dans un milieu artistique, elle s’initie au trombone puis à la trompette au conservatoire, se forme à l’école "Music Halle" participe à des projets incongrus, de musiques
improvisées (Ordulu avec Marc Démereau, La Canso avec Eric Lareine Denis Badault...) ou plus fédérateurs (la Bella Ciao, Sista Fari) ou électroniques (Dreams avec Alex Piques) et suit même une formation de cornet à bouquin.Elle découvre le chant grâce à Michelle Zini qui l’invite dans son choeur Olympe et Louise puis participe à de plus grands choeurs baroques ou classiques (J.m Terrien, Alix Bourbon...) Affectionne le milieu de la rue et des fanfares (WonderBrassBand, la Friture Moderne, l’Orchestre de Poche) et découvre le chant pop (Pas de Printemps pour Marnie, Entoartix..), le chant "Trad Moderne" (La Mal Coiffée, la Madalena) et chante de plus en plus dans ses projets personnels.
Kévin Balzan débute la musique en autodidacte avec la pratique de la basse électrique.
En 2001 il forme le groupe Balnaviko (musique grecque/rebetiko). Il rejoint La Marmaille en 2005 et l’ajout d’une basse électrique change le son de cette fanfare qui y trouve une nouvelle
identité sonore.En 2006, il intègre La Fanfare P4 à la basse et à l’hélicon. Depuis, il a collaboré dans de nombreux projets, à la basse, l’hélicon et le chant dans des formations comme Nino et Nous, CHOUF, Acropolis Bye-Bye, Space Fever, Bombay Club, En Bal et Vous,
Léonard Bossavy commence la batterie petit, en dilettante ; étudie sérieusement au CNR de Toulouse pendant de nombreuses années post-bac ; joue dans diverses formations depuis :
GATTACA, PILI PILI Cosmic Combo, le GRAND SILENCE, le KRAKRAOKé. Accessoirement
accordeur de pianos et trompettiste d’occasions.
Céline Buisson Originaire de Dordogne, elle commence à jouer le trombone au sein d’une Harmonie-fanfare : les joyeux thibériens. Après être sortie du conservatoire de Limoges, elle intègre
le groupe de Ska Les Ejectés, avec lequel elle jouera pendant 4 ans aux 4 coins du globe. Installée
à Toulouse depuis 2004, elle entre à Music’Halle en 2013, puis co- lance son groupe Titty Twister BB, avec lequel elle sillonne les routes pour électriser festivals, cafés-concerts et autres guinguettes. Elle fonde le groupe Futile en 2020 avec 5 autres musiciens toulousain et intègre La Marmaille en 2021.
Frédéric Monnier commence l’apprentissage du saxophone en 1992 et rejoint les ateliers de Marc Démereau en 1994. Il participe à la création de La Marmaille en 2003, puis de L’Orquestre de Mademoiselle Durin. En 2005, création du groupe La Tormenta dans lequel il jouera du sax alto jusqu’en 2013. Il continue de se former à 2005/2006 Music ‘Halle, école des
musique vivantes/jazz de Toulouse.
Il rejoint en 2009 le groupe Mampy, rocksteady-reggae-jazz dans lequel il jouera des sax ténor et soprano jusqu’en 2014 et enregistrera plusieurs albums.
Eric Pollet découvre le trombone très jeune à l’Ecole de Musique. Il y étudie le solfège, le jazz et participe à de nombreux stages en France et à l’étranger. Pendant 10 ans, il développe ses rapports de jeu du duo à l’orchestre symphonique. La grande diversité des instruments qu’il découvre pendant cette période l’éveille à la composition. Désireux d’en acquérir les clés il étudie la basse, la batterie, la guitare et écrit ses premiers morceaux. Il réussit le concours d’entrée au département de musique moderne et improvisée du CNR de Toulouse avant d’intégrer la formation de facture des cuivres à l’ITEMM du Mans.
Sa connaissance des cuivres et son aisance dans les grandes formations, l’emmène à partager
la scène avec les Pistons Flingueurs, Art Bop Sextet, El Gato Negro, le Bardi Manchot , The Raggedy Junkers, Elastic band, Sonitus Sonus, Fanflures Brass Band…
Biographie d’Aurélie Jarjaye
Aurélie Jarjaye commence la musique dès son plus jeune âge par l’apprentissage du piano au Conservatoire d’Avignon puis à celui de Lyon dont elle sort diplômée en 2009.
En parallèle, elle commence le chant et entre à la Maîtrise de Notre-Dame de Paris dirigée par Lionel Saw. A la Haute Ecole de Musique de Lausanne, elle obtient un Master de Concert en 2015 ainsi que le prix Fritz Bach pour l’excellence de son parcours.
Elle fait ses débuts à l’opéra dans le rôle de Mme Phidias dans Phi-Phi de Christiné en 2014 pour une tournée suisse, à l’Opéra de Lausanne et l’Opéra de Vichy, puis elle chante le rôle de la Princesse à l’Opéra de Lausanne dans L’Enfant et les sortilèges de Ravel. Elle est lauréate du Deuxième Grand Prix Opéra au Concours International Enesco à Paris. A la rentrée 2020, elle incarne la flamboyante Marei dans le rare Traumgörge de Zemlinsky à l’Opéra National de Lorraine, ainsi qu’à l’Opéra de Dijon, un rôle qui lui vaut de très belles critiques.
Elle travaille régulièrement avec les chefs Bertrand de Billy, Federico Santi, Giulio Prandi, Laurent Campellone ou encore Martha Gardolinska. Passionnée par la chanson française, elle crée le spectacle « Elle, lui, les autres » sur la musique de Barbara avec le pianiste Mathieu Picard.
L’été 2023 marque ses débuts aux Chorégies d’Orange pour la soirée « Musiques en fête » où elle est remarquée
pour son interprétation de la comédie musicale Cats. L’année suivante, elle fait ses débuts en Asie en obtenant
un grand succès lors de sa prise de rôle de Juliette dans Roméo et Juliette de Gounod à l’Opéra de Hong-Kong,
avant d’entamer une série de récitals au Japon avec le quatuor Psophos. En avril 2025, son interprétation de
Zaïde de Mozart enthousiasme le public de l’Opéra d’Avignon.
Biographie d’Étienne Kippelen
Après des études de piano aux Conservatoires d’Aix-en-Provence et de Marseille, Etienne Kippelen (né en 1984) poursuit son cursus au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris où il obtient trois prix en analyse, esthétique, et harmonie. Auteur de plusieurs ouvrages consacrés à la musique contemporaine, il se passionne pour la transmission, devenant maître de conférences à l’Université d’Aix-Marseille et professeur de culture musicale et de composition au Conservatoire d’Aix-en-Provence.
Compositeur d’une quarantaine d’œuvres pour diverses formations vocales et instrumentales, il étudie avec Régis Campo, Michel Merlet, puis avec Philippe Hurel au CNSMD de Lyon. Primée dans plusieurs concours internationaux, sa musique est régulièrement programmée dans divers festivals : Festival Eurochestries, Festival du Haut-Bugey dans l’Ain, Festival d’été de Lourmarin, Printemps Musical de Vaucluse, Festival Auriol en Sol, Semaine internationale de musique nouvelle de Bucarest, Festival Radio France à Montpellier, Orchestre de l’Opéra de Toulon, Ensemble Court-Circuit, Solistes du Royal Scottish Orchestra etc.
Assistant musical des émissions télévisées et des spectacles de Jean-François Zygel en 2011, Etienne met à son tour ses talents de narrateur au service du public, afin d’offrir aux mélomanes une nouvelle façon de vivre la musique. Les spectacles musicaux qu’il crée rencontrent un succès croissant à travers la France.
Présentation Duo MFA
Le Duo MFA est né de la rencontre de Margot et Florent Aillaud, deux artistes formés au Conservatoire National Supérieur de Musique et de Danse de Paris. Lauréats de nombreux concours internationaux, ils se produisent en concert sur les plus belles scènes françaises (Hôtel National des Invalides, Théâtre Gallo-romain des Bouchauds, Mobilier National, Auditorium Valmy de La Défense), comme à l’étranger (Danemark, Allemagne, Espagne, Italie).
Le Duo MFA enregistre trois albums salués par la critique, constitués exclusivement de leurs propres transcriptions et offrant un répertoire jusqu’ici inédit pour leur formation de musique de chambre (Clara Schumann, György Ligeti, Philip Glass). Leur dernier album, intitulé « Prisme » et paru en 2025, reste fidèle à leur esprit d’exploration et à leur volonté d’élargir le répertoire pour guitare, avec notamment de nouvelles transcriptions originales d’Antonio Vivaldi, Mikhaïl Glinka et Béla Bartók.
Margot et Florent Aillaud enseignent respectivement dans les Conservatoires à Rayonnement Régionaux de Toulon-Provence-Méditerrannée et d’Aix-en-Provence. Leurs transcriptions et compositions sont éditées en France (L’Empreinte Mélodique), en Italie (Ut Orpheus) et au Canada (Productions d’Oz). Ils jouent sur des guitares conçues par le maître luthier français François Monnier et sont soutenus par les Cordes Savarez et la Fondation Nguyen Thien Dao.
Présentation du Honolulu Brass Band
Avec ce nouveau spectacle, la fanfare Honolulu Brass Band met le jazz à l’honneur. Une musique toujours festive et chaleureuse, dansante et légère, un jazz teinté de biguine et de calypso, coloré de mambo et de bossa nova... bref : un jazz créole !
Les 7 musiciens de la fanfare ont tous suivi un parcours de jazz, en conservatoire ou école spécialisée.
Les nouvelles compositions originales reflètent les expériences et les influences de chacun d’entre eux, mêlant jazz et musiques des îles dans un style singulier caractéristique d’Honolulu Brass Band.
Les reprises qui émaillent le répertoire font toujours la part belle à l’inattendu et au décalage : Wayne Shorter et Horace Silver prennent ainsi des accents créoles.
Le chant occupe encore le devant de la scène. Habilement traduites en français, les paroles prennent un sens nouveau. Les spectateurs deviennent acteurs et se mêlent au concert en reconnaissant Harry Bellafonte ou Louis Armstrong.
Avec Créole Jazz, la fanfare Honolulu Brass Band n’a pas fini de vous faire rêver !
Présentation du Daisy Little Orchestra
Le Daisy Little Orchestra vous invite à un voyage musical dans l’âge d’or du jazz des années 30, avec un style inspiré des orchestrations élégantes de Ray Noble et de l’inoubliable Al Bowlly.
Ce sextet raffiné allie virtuosité, complicité et passion pour recréer l’ambiance feutrée et sophistiquée des salons de l’époque. Formé de deux violonistes, un pianiste, un guitariste, un contrebassiste et une chanteuse, ce petit orchestre vous propose une interprétation des standards du répertoire britannique et américain des années 30, inspiré par les grands orchestres de l’époque et arrangés avec soin.
Ensemble, ces six artistes recréent la magie des soirées jazz des années 30.
Le Daisy Little Orchestra propose une expérience musicale délicate et raffinée, porteuse de nostalgie et de charme. Offrez à votre public un moment suspendu, empreint d’élégance à la croisée du passé et du présent.
